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Trapeze “La Banda Desconocida por Excelencia”

This Is Rock en abril repasa con Glenn Hughes y Pete Goalby el extraordinario legado de Trapeze. Una de los grandes joyas del rock de los setenta.

A nadie que disfrute escuchando música le tienen que recordar nada sobre la abundancia de talento individual y creatividad que se concentró en la década de 1970. Algunos de los nombres más insignes de la época han sido la plantilla para todo lo que ha venido después, y por ese motivo, a esos músicos se les tiene por unos gigantes reverenciados e intocables.

También hay otro grupo de talentosos cuyos álbumes han ganado estatura con el paso de los años, artistas que en su momento tampoco cosecharon un éxito desmedido. Trapeze sin duda entran dentro de esta categoría. Lo que publicaron hace más de cuatro décadas sigue sonando a excitante éxtasis musical, algo que queda fielmente recogido en la antología que sirve de excusa para este artículo.

Con su mezcla de funk, psicodelia y hard rock, no ha habido nadie capaz de emular lo que las variadas formaciones del grupo consiguieron en esos años. Algo que sigue causando orgullo a Glenn Hughes, y no es para menos.

“Para mí, Trapeze son la banda desconocida por excelencia, los que nunca consiguieron ese gran éxito. ¡En mi opinión deberíamos haber sido tan grandes como Humble Pie! ¡Eso como mínimo!”.

Y si alguien pone en tela de juicio la veracidad de las palabras del inconfundible vocalista/bajista, no tiene más que escuchar las canciones del grupo, como por ejemplo las del reciente recopilatorio ‘Leavin’ The Bad Times Behind: The Best Of Trapeze’, que cubre toda la trayectoria de grabaciones de la banda. Pero, ¿dónde empezó todo? Hughes traza la escena de la que partió esta aventura.

“En 1969, había dos bandas en el Black Country (región al noroeste de Birmingham). Los Finders Keepers, donde estaba yo, con Mel Galley (guitarra y voz) y Dave Holland (batería). También estaban los Montanas, con John Jones (voz y trompeta) y Terry Rowley (teclados, guitarra y fluta). Las dos bandas nos dedicábamos al pop, y tampoco estábamos escribiendo nuestro propio material, a decir verdad”.

“Entonces Astra Agency (agentes de contratación), cuyas oficinas estaban encima del famoso Lafayette Club, en Wolverhampton, tuvo la idea de pillar a cinco de los que estábamos en esos dos grupos para juntarnos en una nueva formación. Nos reunimos todos en las oficinas de Astra con Tony Perry (quien se convirtió en el mánager de Trapeze) y aprobamos el plan”.

“En ese momento, no tenía más que 17 años, y lo único que deseaba era convertirme en músico. No tenía interés en volverme famoso. Solo quería aprender a tocar el bajo, y cantaba todos los días, para cultivarme como músico y darme la posibilidad de mejorar”.
Puedes seguir leyendo este artículo en el nuevo número de This Is Rock.

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Robbie Robertson Exclusiva Entrevista | This Is Rock Revista www.thisisrock.es www.area666.es

Robbie Robertson tiene un capítulo propio en la historia del rock, donde destaca por The Band, el mítico concierto The Last Waltz, su carrera en solitario y míticas banda sonoras como “Toro Salvaje”. Un ilustre en mayúsculas surgido de un ambiente propio del cine de Martin Scorsese.

Tanto en tu nuevo disco ‘Sinematic’ como en todo lo que has hecho como artista en solitario, como autor de bandas sonoras y con la banda, uno siente que tus canciones se despliegan como películas en miniatura. ¿Cuándo te atrajo por primera vez esta forma de componer tan visual? En mi condición de aficionado al cine, he pensado mucho sobre eso al cabo de los años, cómo acabaron fusionándose música e imágenes, en el formato de una narración. Y creo que me tengo que remontar a antes incluso de unirme a Ronnie Hawkins. La gente de mi generación teníamos películas que se estrenaban entonces, como “La Jungla De Asfalto”, la de John Huston, y una película así me hizo mella. Luego vi otras como “El Tercer Hombre”, o “En Un Lugar Solitario”… y me fui metiendo más en lo que eran las películas y las historias que contaban. Había siempre en ellas una sensación de peligro, como si cualquier cosa pudiera suceder. Eso me intrigaba bastante. Y después, me llegó un periodo de leer sobre esto, y encontré un libro en la calle 47, y también me compraba guiones. Al final, ya cuando llegué a ‘Music From Big Pink’, me vi capaz de alcanzar un sitio donde la cuestión no era ir de un concierto al siguiente, de hacer una cosa y luego otra. En cambio, podía ir a un lugar donde todas las imágenes e historias podían asentarse para mí. Había pensado mucho sobre el tema con anterioridad, pero ése fue el punto en el que comencé a ver las canciones que componía como películas en mi cabeza.

“La historia de The Band es increíble, es imposible inventarse nada así. Y esa fraternidad es lo que celebramos en ‘Once We Were Brothers’”

¿Cuál consideras que es esa canción que creaste en tus años de crecimiento que te encaminó definitivamente como autor? En el Brill Building, me sentía conectado a esa gente. Compuse un tema titulado ‘He Don’t Love You’, y la canción tenía un algo, un sentimiento, y luego entré en una fase góspel y compuse ‘The Stones That I Throw’, y fui evolucionando desde allí. Las cosas estaban encaminándose hacia algún lado, pero no llegué hasta ese espacio en mi alma hasta ‘Big Pink’.

Antes mencionabas el álbum ‘The Band’, y se ha cumplido el quincuagésimo aniversario de su publicación. ¿Hay alguna canción en él para ti especialmente definitoria? No sé si podría hablar de una canción definitoria. No pienso en esos términos. De nuevo, concibo ese disco como toda una obra en sí, así que para mí sería casi como seleccionar una única escena de una película. Tal vez haya una más definitoria, no sé, pero yo nunca he mirado las cosas así. Hay elementos que forman parte de ese todo, con significados diferentes para mí, y sí, creo que es un disco con varios momentos definitorios. Lo que sí puedo decirte es que, después de que compusiera y grabáramos ‘Rag Mama Rag’, sentí bastante orgullo.
Puedes seguir leyendo esta exclusiva entrevista en el nuevo número de This Is Rock.